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Peinture abstraite
L'art abstrait est une forme d'art
qui n'essaie pas de représenter
le monde sensible.
La peinture peut se passer de modèle
et s'affranchit de la fidélité
à la réalité visuelle.
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Aujourd'hui, on utilise ce terme pour désigner une pratique artistique ne représentant pas des sujets ou des objets du monde naturel,
réel ou imaginaire, mais seulement des formes et des couleurs
pour elles-mêmes que l'art contemporain poussera à son paroxysme, un demi-siècle plus tard.
Le peintre Vassily Kandinsky est le fondateur de l'art abstrait.
Il a peint sa première aquarelle abstraite Sans titre en 1910 (en réalité elle est antidatée). Selon le philosophe Michel Henry, « Kandinsky appelle abstrait le contenu que la peinture doit exprimer, soit cette vie invisible que nous sommes. » (Voir l’invisible, sur Kandinsky)
Au début du xxe siècle, ce terme incluait aussi le cubisme ou le futurisme, genres dans lesquels il y a bien volonté de représenter le monde réel, sans l'imiter ou le copier mais plutôt en montrant les qualités intrinsèques. On représente ce qu'on sait d'un objet plutôt que ce qu'on en voit.
UN PEU D'HISTOIRE
Dans les années précédant la Première Guerre mondiale, plusieurs variétés d'art abstrait émergèrent dans différents contextes. Bien que la ville de Paris soit souvent reconnue comme la capitale de la culture occidentale à l'époque, et que Robert Delaunay y exposa ses œuvres cubistes prismatiques. Mais il est tout aussi important de regarder ailleurs, par exemple: en Allemagne et en Russie, des artistes créaient des tableaux qui variaient beaucoup, non seulement dans leur aspect mais aussi dans les intentions.
L’influence du développement de la science et de la technique propres à la peinture, sur l’évolution de l’art plastique est bien établie1. De plus, l'invention puis l'évolution de la photographie au xixe siècle libère la peinture de la représentation de la réalité.
Cependant, des domaines apparemment fort éloignés de la peinture ont aussi amené des modifications dans la position des artistes.
Ainsi, dans la seconde moitié du xixe siècle, l’optique physiologique fait d’importants progrès sous l’impulsion de l’Allemand von Helmholz (1821-1894). Elle distingue deux étapes dans la vision : au niveau de l’œil, les rayons lumineux produisent une « impression » et ensuite les nerfs de la rétine les transmettent au cerveau où ils apparaissent sous forme de « sensations ».
Certains artistes sont influencés par ces nouvelles connaissances. Les « impressionnistes » avaient, eux, déjà tenté de rendre l’ « impression » (la première étape) que leur faisait la nature. D’autres peintres vont reconnaître qu’il est vain d’essayer de restituer la nature sur une toile avec une objectivité totale. Car les « sensations » (la deuxième étape) viennent « perturber » le processus de création et elles apparaissent fort complexes. Elles ne sont pas un simple enregistrement passif d’informations de formes et de couleurs, mais impliquent des mécanismes neurologiques apportant d’autres résultats. Il va plus s’agir de rendre les résultats de l’introspection que de copier plus ou moins fidèlement les effets de la nature.
František Kupka (1871-1957), pionnier de l’abstraction en peinture, a rapidement saisi l’impact de cette nouvelle conception de la vision sur la finalité de l’art, jusqu’alors perçue comme une imitation de la nature. Les « sensations » du peintre s’inscrivent maintenant en priorité dans sa vision. Kupka s’intéresse à l’aspect psychophysique des couleurs : « il nous semble donc plus opportun de considérer et d’interroger les sensations de lumière, de caractère et de valeur différentes, en tant qu’elles suscitent en nous des états d’âme ». On va parler de « l’œil solaire ».
Les avancées dans un autre domaine scientifique, celui de la compréhension de la nature ondulatoire, à la fois de la lumière et du son, ouvrent également de nouvelles perspectives. Elle amène la mise au point par des chercheurs, d’instruments de projection de lumière colorée. Ceux-ci sont utilisés avec accompagnement musical. L’un des inventeurs de cette « color music » (musique chromatique, qui s’appellerait actuellement « son et lumière »), Wallace Rimington, écrit en 1895 : « En peinture, la couleur a seulement été utilisée comme l’un des éléments de l’image. Nous n’avons pas encore eu d’images dans lesquelles il n’y ait ni forme, ni sujet, mais seulement la pure couleur » Il écrit également : «…En fait, il n’y a jamais eu d’art pur de la couleur ne s’occupant que de la couleur seule et ne se fiant seulement qu’à tous les changements subtils et merveilleux, ainsi qu’aux combinaisons dont la couleur est capable en tant que moyen de sa propre expression. ». A cette époque, ses concerts de « color music » eurent du succès. Il n’est donc pas étonnant de trouver un article publié en 1908 portant le titre « Les lois d’harmonie de la Peinture et de la Musique sont les mêmes » (Henri Rovel), Son contenu, dans l’esprit de la musique chromatique, aura une grande influence sur les peintres Kandinsky (1866-1944), Larionov (1881-1964) et à nouveau Kupka.
Dans un autre article, Rovel confirme
« La vie est caractérisée par la vibration.
Sans vibration, il n’y a pas de vie.
Le monde entier est soumis à cette loi.»
( sources : wikipedia )
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